Articles by Myriam Marín

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Tal detenimiento en la trayectoria del cineasta se hace sorprendentemente breve si tenemos en cuenta que hasta ahora cuenta con cinco películas desde 1973.
Terrance Malick tiene fama de tomarse mucho tiempo para filmar, cosa con la que no estoy para nada conforme puesto que el único parón significativo se dio entre 1978 y 1998. Y otro hecho llamativo es la recepción tan dispar al mismo tiempo que expectante tiene su trabajo, motivos por los cuales redacto este “post”.

En el cine de Malick lo relevante es la interacción de los protagonistas no con el entorno, sino con la percepción de éste de una manera existencialista y tan subjetiva que en ocasiones el concepto “protagonista” se difumina dando lugar a obras cuasi corales donde se recrean los universos de cada individuo de forma aislada, mientras nos olvidamos sin querer del resto de sucesos. El tiempo y el espacio se detienen para hurgar en un determinado mundo interno dentro del cual se abren infinitas posibilidades y cuestiones: cómo afecta el pasado, dudas sobre la interpretación del presente, el futuro, y la eterna pregunta; ¿y si…?
En cualquier caso, las principales emociones y preguntas humanas son las máximas expuestas, ya sean dudas filosóficas, amorosas o de supervivencia. No extrañan por tanto los estudios académicos de Terrence Malick (de Filosofía, evidentemente), uno de los pocos datos disponibles del realizador dada su escasa afición al ámbito público.

“Badlands” (Malas Tierras), 1973.

Aunque los créditos aclaran que el guión no está basado en ningún hecho real, muchos señalan comprensiblemente a la cinta como una adaptación del caso Bonnie y Clyde. Mismamente el trailer desvela gran parte de la trama; una adolescente de quince años se fuga con un chico mayor para luego subsistir esquivando las autoridades, matando y robando durante una travesía sin rumbo fijado.

En este caso, todo lo que advertimos viene de la mano de Holly (Sissy Spacek), quien pasa de una aparente solitaria pero tranquila vida, a una prófuga espiral aún más solitaria, hasta de la misma civilización salvo por su compañero Kit (Martin Sheen).
Sí, desde su ópera prima, Terrence Malick a dirigido a actores de primera línea en una época en la que no era algo tan accesible como hoy. Es más, hasta ahora me han parecido muy bien llevados, incluso en la obra que nos ocupa; Badlands.

En otro sentido, aun no aburriendo, teniendo en cuenta la simplicidad y corta duración del filme, se hace demasiado lento para mi gusto. Además, la maestría fotográfica de las posteriores películas no se refleja en ésta (perdonable teniendo en cuenta su presentación en el arte del largometraje).

“Days of Heaven” (Días del Cielo), 1978.

A pesar del aspecto de romance melodramático del filme, Days of Heaven escapa del tópico exceso de azúcar mediante la fórmula del equilibrio. Los acontecimientos discurren lo suficientemente comedidos como para no caer en este clásico error, dejando paso a otros añadidos y virtudes de la obra.

Frente a Badlands, del segundo intento de Malick resulta una película más atrayente y con más fondo. El ritmo, guión y fotografía mejoran significativamente mientras sigue conservando la ausencia del morbo innecesario ante los hechos, tal y como ya hiciera en el anterior proyecto.
Cinematográficamente no alcanza la calidad de The New World, película la cual queda más en la memoria, es de mayor riqueza y está dotada de mejor estructura narrativa. Sin embargo, pese a los asuntos de cada personaje, “Days of Heaven” sabe plantear hábilmente y en su justa medida la vida campesina del incipiente siglo XX, alejándose de la común idealización en las recreaciones de época.

“The Thin Red Line” (La Delgada Línea Roja), 1998.

Tras un par de décadas sin “cine Malick”, el mismo regresa con un título sintónico entre tantos bélicos de la fecha, compaginando estilo y fallos recurrentes en su marca.

Es 1998 e inevitable comparar The Thin Red Line con Saving Private Ryan (Steven Spielberg), del mismo año. Ambas sobrevaloradas en mi opinión.
No tratándose de una película como para dejar huella (exceptuando algunas secuencias), Saving Private Ryan alcanza un nivel superior a la de Terrence Malick, la cual redunda de manera injustificada en los planteamientos subjetivos, así como en el sentido de la lucha, no sólo armada.
Que la guerra deshumaniza y desencadena barbaries lo llevamos observando desde los ’70 en la gran pantalla a partir del mazazo político y moral estadounidense de la Guerra de Vietnam (Born on the Fourth of July, Full Metal Jacket, Apocalypse Now… etc). Una vez superado el trauma, es hora de recuperar el género con menos remordimientos sin dejar de lado la conciencia. Nacen así proyectos, normalmente centrados en la Segunda Guerra Mundial y el Holocausto, como la ya comentada Saving Private Ryan, Schindler’s List, La Vite É Bella, The Pianist o, aprovechando el tirón, la insufrible Pearl Harbor.
Bien entrados los años 2000, cuando el cine bélico parece desgastarse, aparecen algunas producciones a causa del descontento acaecido por las Guerras de Afganistán e Irak (In the Valley of Elah, Brødre…).

Pero no es ninguno de estos estrenos el que ha hecho sombra a The Thin Red Line salvo el de Saving Private Ryan. Dos cintas muy diferentes que compartían entre sí algunos mensajes similares. Una lástima para la vuelta de Malick y para la misma película, a pesar de sus obvios y repetidos discursos.

“The New World” (El Nuevo Mundo), 2005.

A diferencia de muchas críticas reivindicativas de Badlands o The Thin Red Line como icónicas de T. Malick, no coincido con la supuesta brillantez de aquéllas. Por el contrario, considero a Days of Heaven más resolutiva, y a The New World más representativa de su talento. Esta última las supera tanto en estructura y profundidad, como en ambientación.

Logra caracterizaciones menos ideales que sus precursoras tratándose de una historia más ajena a nuestro tiempo y cultura. Gracias al aumento de humanización en los conflictos interiores, paradójicamente, esta película se acerca mejor al espectador, pudiendo incrementar las posibilidades de conexión, mientras pertenece a una época más alejada si comparamos los anteriores trabajos de Terrence Malick.

La música, composición y dirección artística en general, ayudan sin duda a redondear la producción. Se adecuan a The New World conservando el equilibrio que ya tuviera Days of Heaven, pero en una obra preeminente a la anterior.

“The Tree of Life” (El Árbol de la Vida), 2011.

Por fin, The Tree of Life, o lo que es lo igual, el culmen Malick. Un estreno esperado a la par que de antagónico recibimiento; bodrio pedante “versus” obra maestra, posiciones en las cuales no cuadra la mía.

El filme se centra en una familia común estadounidense de mediados de siglo XX, enmarcada por las reflexiones de uno de los hijos ahora adulto (Sean Penn), acerca de las influencias que sus progenitores (Brad Pitt y Jessica Chastain) en su ser y modo de entender el mundo, y por conceptos universales y deístas en la relación sujeto-realidad.

Estos tres terrenos -individuo, familia, universo- plantean cuestiones y/o situaciones muy interesantes que desilusionan tarde o temprano. En el primer caso, quizás procura sugerir tanto que al final no araña ni la superficie de lo pretendido. En el segundo, un vez llegados hasta cierto punto la promesa se atasca. Y, en último lugar, la intención de englobarlo todo sencillamente no se consigue, pronto pierde la noción hasta el despropósito (el mejor ejemplo son las escenas de dinosaurios). Todo para mostrarnos en parte la vieja lección del ciclo de la vida y de las grandes y pequeñas cosas que se pierden por el camino de tal fenómeno.

En esencia, encuentro dos fallos en The Tree of Life: el mal desarrollo de unas buenas ideas y el desacierto al integrarlas entre sí.
Las reacciones tan opuestas al largometraje probablemente se deban al extremo contraste entre la genialidad fotográfica (poética desde el objeto más insignificante) y las faltas de un pasable guión, ya que muchos atribuyen la nulidad del realizador como guionista (argumento a mi parecer descartado si conocemos su trayectoria) cuando pasan más desapercibidas irregularidades de otros cineastas, como es el caso de Woody Allen, quien creo que arrastra demasiados años de hacer por hacer, con la única excusa de su propio nombre.

Para finalizar y muestra de que Terrence Malick no es un director tan pausado en su carrera, basta con leer en IMDb que se encuentra rodando su última película, además de contar con otras dos en post-producción.

Las elecciones anticipadas del próximo 20 de noviembre serán las segundas españolas que discurran entre el llamado 15-M, que todavía continúa a otro nivel, como es natural, después de las autonómicas y municipales del 22 de mayo.

Fue una agradable sorpresa en cuanto a la fecha (no esperaba a estas alturas ninguna reacción que no debiera haberse dado hace años), pese a que desde el principio algo no cuadraba, y terminé tal y como comprobé en unos y otros escritos; indignada con los indignados.

La falta de datos desde la prensa (edición impresa o digital) , televisión o radio, no se justifica de ningún modo cuando todo era tan fácil como limitarse a buscar las propuestas de la plataforma precursora Democracia Real YA.
Sencillamente no me creo que bien entrados en junio, el único material disponible por parte de las agencias de noticias fuera el de “una movilización espontánea surgida por el boca a boca y extendida como la pólvora mediante las redes sociales, contagiada del malestar común ante el distanciamiento entre política y ciudadano, más las recientes revueltas en seguidos países musulmanes a modo de ejemplo. Un despertar que pedía llanamente el voto, no un voto en particular (especialmente a los grandes partidos con voluntad de romper el bipartidismo reinante)”.

Qué se debatía, cómo, lo que ofertaban y demás detalles eran una incógnita. A grandes rasgos, lo anterior era lo más acostumbrado a saberse. Mientras, una penosa conexión a internet y una destartalada computadora sobrepujaban para conocer las líneas defendidas por la iniciativa nombrada repetidamente a través de los informativos. De hecho, algo que me llamó la atención fue que un simple y vago mensaje a principios de marzo en democraciaralya.es (“acusamos a los poderes políticos y económicos de nuestra precaria situación”, lo único publicado en la web entonces) llegara a “temas del momento” dentro de Twitter y fuera germen del movimiento.

Por suerte, tuve la ocasión de viajar uno de los días punteros del 15-M a la concentración de Plaza de la Constitución, Málaga, de donde conservo la fotocopia del manifiesto, el cual es idéntico al de la página democraciarealya.es.

De esa forma pude corroborar mis sospechas; que para nada era un movimiento no partidista hacia partidos políticos o sindicatos pese a anunciar lo contrario: símbolos pro castristas, comunistas, pegatinas “No a la Guerra” desempolvadas de 2003…etc.

Algunos ejemplos grabados:

Megáfono de la movilización que anduvo todo el rato contradiciendo aquello de que no se adherían a ningún grupo político o sindicato. (Pegatina de CNT):

Vídeo de un amigo en el que se ve una bandera de la Segunda República a modo de capa. (Minuto 7:05):

También tuve la oportunidad de presenciar cómo encendían un porro en una vela de encima de la mesa de información al lado del cartel “sin drogas ni alcohol, esta noche al cien por cien”. Puntazo.

Para colmo, muchos no sabían ni de qué iba el asunto, pregunté a mi alrededor sobre qué debatían en una de las asambleas, finalmente, lo que temía; estaban organizando cómo organizarse… durante más de una hora. Llegué habiéndome leído las propuestas de “Democracia Real YA” y las de la plaza del Sol y tenía más idea que hasta los del propio puesto de información.

El éxtasis de sabiduría se hallaba en las lecturas. Tanto en el puesto de información como en las asambleas, el referente era “Indignez-vous!” (¡Indignáos!), de Stéphane Hessel. Más parecido a un panfleto que cualquiera -incluso en horas bajas- podría publicar a base de las palabras, frases y argumentos trillados desde el siglo XX (y XIX apurando), que a un libro serio y de prosa olvidadiza técnicamente, siendo benévolos.
Otra gran recomendación, como no podía ser menos, las obras actuales de índole activista de Noam Chomsky, lingüista, por si alguien recuerda su campo, quien me da la sensación de encontrarse venido a menos en el mismo hace décadas (sobre todo desde la época de a mediados de siglo anterior con sus importantes innovaciones y disputa doctrinal frente a su colega Skinner).

Y como guinda del pastel, niños, sea cual sea el tipo de manifestación (contra el aborto, por las víctimas de terrorismo, en este caso con el 15-M… etc), ya no sólo asisten con normalidad, sino que hasta se ha dado una buena imagen al hecho de que acudan.

Puntos de las propuestas de Democracia Real YA:

Antes de seguir por orden, voy a detenerme en uno esencial para la situación que estamos soportando;

- “Prohibición de cualquier tipo de rescate o inyección de capital a entidades bancarias: aquellas entidades en dificultades deben quebrar o ser nacionalizadas para constituir una banca pública bajo control social”.

Siendo claros y concisos, si algo aprendimos a partir del Crack del ’29, es a proteger lo que también el ciudadano de a pie tiene en los bancos.

Quien durante años y más años no se ha percatado de que por la parte española (no me olvido de la crisis externa con la que se ha juntado, es evidente que cada país la ha sufrido de una manera) la burbuja inmobiliaria iba a explotar, con un aumento anual de cerca del 20% en el precio de la vivienda durante los últimos años; una de dos (si estaba en su sano juicio): o no ha querido informarse, o ha vivido en un zulo unas cuantas décadas.
Lo primero en lo que se solía invertir a la primera oportunidad era en una segunda vivienda (entonces no éramos especuladores) y los préstamos se pedían hasta para una televisión nueva (toda una lección de sensatez). Si la decisión de tanta gente ha sido hipotecarse poniendo como garantía la vivienda de sus padres viéndose todos en la calle al final, sólo me parecen las consecuencias de sus propias decisiones, que no lo merecido, son cosas totalmente distintas.
¿Otra alternativa a parte de los “similares” (no olvidemos que lo que se paga por una hipoteca tiende a subir) precios del alquiler?, ¿alguna movilización previa?
De modo que la culpa, sí, me atrevo a sostener la apreciación de que la tenemos, como mínimo en parte, los mismos españoles. ¿Ahora nos movemos?, ¿ahora nos enteramos de que España se sustentaba económicamente sobre pies de barro?

Esta divertida y exitosa promoción del cómic “Españistán” de Aleix Saló explica sólo a trazos lo antes redactado. Nuestro Moisés fue pionero en traer consigo las consecuencias del neoliberalismo según prensa y sindicatos, y las quejas por la “flexibilización de la contratación a tiempo parcial” nos suenan demasiado recientes como para asimilarlas. Tanto es así, que la vivienda española continúa sobrevalorada un 40%, pero ya hay solución; la reducción del 4% del IVA a la vivienda (nueva) para reducir el déficit entre otras medidas (y para “reactivar el sector de la construcción y contribuir a la creación de empleo” no contradiciendo “la determinación del Gobierno de incrementar el mercado del alquiler para equilibrarlo más con el de la compra”, declararon el portavoz del Gobierno José Blanco y la vicepresidenta -primera- Elena Salgado, ya que estamos habituados a las alternativas de crecimiento económico y al fomento del mercado de segunda mano).

- “Imprescriptibilidad de los delitos de corrupción.
Publicación obligatoria del patrimonio de todos los cargos públicos”.

En los de corrupción y en ninguno que no sea tal.
España es uno de los países más seguros de la UE, al contrario de lo que podría pensarse atendiendo al periodismo de sucesos, por lo que no creo que deba incidirse demasiado en algo que funciona bien.
Pasando a la idea de las publicaciones de patrimonio, espero que se refiera a hacerlo ante autoridades competentes, por razones obvias.

- “Contratación de personal sanitario hasta acabar con las listas de espera”. “Restablecimiento del subsidio de 426€ para todos los parados de larga duración”. “Contratación de profesorado para garantizar la ratio de alumnos por aula, los grupos de desdoble y los grupos de apoyo”.

Pero, ¿no había déficit, y a raudales?

- “No al control de internet. Abolición de la Ley Sinde”. “Reducción del gasto militar”.

Si ni la crisis, ni el precio de la vivienda antes de ésta han conseguido movilizaciones o semejante conciencia colectiva en este terreno, es que debe de ser primordial en caso de querer salir adelante.
Siguiendo con el tema castrense, es tan compendioso que no entiendo la propuesta.

- “Reparto del trabajo fomentando las reducciones de jornada y la conciliación laboral hasta acabar con el desempleo estructural (es decir, hasta que el desempleo descienda por debajo del 5%)”.

He aquí la fórmula para el pleno empleo, tan fácil como parecidos entre sí son tantos trabajos.

- “Referéndums obligatorios para toda introducción de medidas dictadas desde la Unión Europea”.

En teoría, el movimiento contaba con información jurídica, pero a juzgar por este error garrafal, que ni siquiera nombra una reforma de la Constitución, prefiero pensar que es a causa de la imprecisión tendente de los puntos:

Art. 96 CE.
1. Los Tratados internacionales válidamente celebrados, una vez publicados oficialmente en España, formarán parte del ordenamiento interno. Sus disposiciones solo podrán ser derogadas, modificadas o suspendidas en la forma prevista en los propios Tratados o de acuerdo con las normas generales del Derecho Internacional.

2. Para la denuncia de los Tratados y convenios internacionales se utilizará el mismo procedimiento previsto para su aprobación en el artículo 94.

- “Modificación de la Ley Electoral para garantizar un sistema auténticamente representativo y proporcional que no discrimine a ninguna fuerza política ni voluntad social, donde el voto en blanco y el voto nulo también tengan su representación en el legislativo”.

Me ha interesado este punto al ser uno de los escasos con los que algo me he identificado.
Ahora bien, el modo que se llevaría a la práctica la materialización del voto nulo lo ignoro, por lo demás, pienso que se debería empezar a trabajar para que la ley d’Hont termine por desaparecer.

En cuanto al resto de puntos, por lo general se exceden en vaguedades o redundancias de lo ya existente (supresión de gastos administrativos inútiles, mayor independencia del poder judicial -cuestión con la que estoy de acuerdo, pero falta el después de la consistencia de unas ideas determinadas-, indispensabilidad de referéndums, mecanismos para la democracia interna de los partidos, libertad de información y periodismo de investigación, más control sobre el fraude fiscal, evitar la mala praxis bancaria… etc.), soluciones más complejas de lo que debieran a mi juicio (asegurar que las grandes empresas no cubren puestos con personal temporal pudiendo ser fijo, bonificaciones para aquellas empresas con menos de un 10% de contratación temporal… en vez de acaparar medianas y pequeñas empresas también -gran mayoría del empleo privado en nuestro país- e ir a la raíz del problema, que en en este caso sería enfocar el esfuerzo a comenzar los pasos de cara a atacar los contratos temporales en sí), medidas más propias de un régimen dictatorial frente a la aspiración de una democracia más eficaz (expropiación por el Estado de las viviendas construidas en stock que no se han vendido para colocarlas en el mercado en régimen de alquiler protegido o la equiparación del salario de los representantes electos al salario medio español. Ya puestos, planteémonos hacer lo mismo en cualquier profesión) o no llegan, en el sistema de la educación, por ejemplo (calidad de enseñanza escolar y preescolar, secundaria, superior, y reformas en el sistema de elección de docentes además de la mejora de las especializaciones en la universidad).

Un antes y un después.

Las intenciones apartidistas, pacíficas y esperanzadoras de los autodenominados “indignados” de la “spanish revolution”, dieron lugar a una ola de buenismo social contagiada rápidamente desde los vecinos de la zona (muchos ayudaban llevándoles comida y bebida), hasta compatriotas en otros países.
Pero ya no estábamos en la época desencantada de la generación “beat” (precursora del utópico movimiento hippie) o en el elitista Mayo del ’68. Ni las protestas eran tan genuinas (asemejándose más a una mala secuela del Mayo del ’68 cual saga cinematográfica, que a una efectiva revolución social, cultural o política) ni tan arraigadas a un momento concreto.
La respuesta ha llegado tarde, y bajo cierto punto de vista, el mismo bipartidismo es también el resultado de la voluntad del mismo pueblo que se supone carente de alternativas. ¿Por qué? Muy sencillo, aunque la suma de las abstenciones, votos blancos y nulos superara a alguno de los grandes partidos si se votara otras opciones, no lo hace porque simplemente los ciudadanos han decidido no presentarse frente a las urnas, no introducir ninguna papeleta en el sobre, meter una en blanco o con errores en las formas.
Y de esta manera pasamos las elecciones del 22 de mayo sin ningún resultado notable centrándonos en esta petición anti-bipartidista.

Luego se sucedieron los enfrentamientos violentos entre policías y manifestantes con el hecho de Valencia como clave.
Con el paso del tiempo, se acentuaron las polarizaciones por parte de los medios de comunicación, unas veces hilarantes (incluso surrealistas), otras descaradas.
Desde entonces, nada ha sido lo mismo; comenzó el desencanto y la desilusión por el 15-M a la vez que los “indignados” iniciaron una cadena de actos menos pasivos y más polémicos (como es el caso de los frenos de desalojos, deportaciones o posicionándose contra el Pacto del euro; lo que me parece un nuevo gesto de exculpación cuando es asunto de cada miembro de la UE ser capaz de controlar la deuda interna).

Después de la antigua primera parte, rescato aquel asunto de inverosímiles declaraciones en juicios reales, esta vez, sacados de la web del bufete Arasa & de Miquel Advocats Associats de Barcelona:

-¿Esa enfermad afecta a su memoria?
- Sí.
- ¿Y cómo afecta a su memoria?
- Se me olvidan las cosas.
- Se le olvidan… ¿Puede darnos un ejemplo de algo que se le haya olvidado?

-¿Qué edad tiene su hijo?
- 38 o 35 años, no me acuerdo.
- ¿Hace cuánto tiempo vive con usted?
- Hace 45 años.

-¿Cuál es la fecha de su cumpleaños?
- 15 de julio.
- ¿De qué año?
- Todos los años.

Para terminar, dejo el extracto que me hizo llegar en su día Tone vía e-mail y que he tenido que volver a rescatar de la red, ya que de eso hace ahora un tiempo, aunque no el suficiente como para olvidarme del original que reproduzco a continuación:

- ¿Es cierto que usted, el día de los hechos, se cagó en los muertos del denunciante, en toda su puta familia, en la persona de su madre y en el hijo de puta de su padre, al igual que en toda la corte celestial?
-No, es falso… Yo estaba tranquilamente trabajando en la fundición y entonces le dije: ”Antonio, por Dios, ¿no te das cuenta de que me has echado todo el acero fundido por la espalda y que es una sensación muy desagradable?”

Después de ”Yom Haatzmaut” y del 14 de mayo, el día 15 del mismo mes se ha conmemorado ”la catástrofe del pueblo palestino” (”Nakba”, tragedia o catástrofe), es decir, el nacimiento de Israel (luego de una guerra, la del ’48, en la que lógicamente un bando tuvo que perder).
Recordemos los años de estudios obligatorios en el instituto. Las fronteras fueron pactadas por cada parte implicada y respaldada por la ONU por si interesa a alguien esta vez, no es mi caso, si no miren sus miembros.
A partir de entonces comenzó el conflicto entre palestinos e israelíes, o eso parecía hasta que hace unos años por diversas circunstancias los medios informativos comenzasen a bombardear superficialmente con la supuesta masacre de unos (víctimas) quienes son aniquilados por otros (verdugos), lo que no da lugar a enfrenta mutua.
Una consecuencia actual es la ”Segunda Flotilla de la Libertad”, estela de la primera sobre la que trato en un ”post” anterior.

El siguiente vídeo pertenece a la campaña ”Rumbo a Gaza”, la cual pretende volver a zarpar con una nueva flotilla dirección a Gaza. Mucho se ha dicho y se dirá desde junio de ella, de manera que no voy a extenderme más allá de las contradicciones e incoherencias del mismo, ya que, a mi modo de entender, es suficiente para desacreditarlo:

1- ”Nueve personas fueron asesinadas por el ejército israelí cuando viajaban rumbo a Gaza en la Flotilla de la Libertad”:

¿Así, sin más?, parece que a este enunciado le falta alguna de las ”6 W” del periodismo.
No añade ningún motivo ni situación previa, de las palabras de Alberto San Juan podría entenderse que el estado de Israel es aficionado a gastar el dinero y recursos del país en este tipo de operaciones, amén de a de proyectar una imagen negativa de cara al exterior.
Basta con remitir al artículo mencionado de este mismo ”blog”, indagar (vídeo) o haber prestado atención a la prensa de aquel momento y a las pruebas facilitadas por el IDF (vídeo).

IHH.
Para situarnos en antecedentes, voy a centrarme aquí en IHH, organización turca generalmente vinculada a Hamas por su vertiente altamente politizada a la derecha y simpatizante con el régimen vigente en Gaza.
IHH fue y es fundamental para las iniciativas de una y otra flotilla, de hecho la bandera era del mismo país y la colaboración se plasma en el símbolo que comparten.
Es por eso que en el diario La Razón, María Poveda la llega a denominar directamente como ”flotilla de Hamas” en el escrito siguiente a la publicación del mismo día, poniendo su grano de arena en la denigración del periodismo en España con dicho juego de palabras y datos erróneos en el número de muertos (nueve, como indica el vídeo de ”Rumbo a Gaza”).
Por lo demás, y habiendo comparado con multitud de prensa, parece haber sido como cuenta. En IHH podemos ver cómo tienen intenciones unilaterales en el conflicto, sin mencionar pretensiones de contacto o acuerdo alguno para con Israel. Es más, invitan al boicot contra esta zona mientras ensalzan la figura de los mártires. Se hace difícil hallar información de qué hace realmente esta asociación debido a que las explicaciones generalmente son vagas en exceso salvo en la sección ”Tipos y área de actividad”, en la que muestra la ayuda cultural que proporciona (únicamente ”apoyo a las emisiones de radio y televisión y construcción de santuarios y mezquitas”), la alimentaria (”programas para el Qurban [que consiste en el sacrificio de un animal como la oveja, vaca o un camello], organización de cenas para romper el ayuno en Ramadán”, que puede confundirse con dejar el ayuno, pero no olvidemos que se trata de cenas), social (dentro del cual incluyen el ”establecimiento de institutos de formación para la mujer” que no aclara en qué consiste, a parte de la ayuda educacional)…etc.

2- ”Diez mil toneladas de ayuda humanitaria”, ”ayuda que nunca llegó a su destino”:

Según la subdirectora adjunta en Gaza de Cruz Roja, Mathilde Redmatn, quien antes estuvo en lugares tan diferentes entre sí como el Congo o Colombia, asegura que el trabajo es ”completely different” (”completamente diferente”), ha declarado ”there is no humanitarian crisis in Gaza” (”no hay crisis humanitaria en Gaza”). Ésto se puede comprobar en infopublico.com, dover.idf.il o en libertaddigital.com.
Frente a las 10.000 toneladas de ayuda humanitaria de la Segunda Flotilla de la Libertad en un acto simbólico más encaminado a entrar por la fuerza en territorio bloqueado que a la entrega de ayuda humanitaria (para ello están las vías ordinarias como el atraco en Ashdod al que se negaron en la primera ocasión), Israel dona 50.000 cada dos semanas en 250 camiones por día, y antes del primer cuarto del año 2011, más de 1.500 residentes en Gaza han solicitado atención médica en Israel superando el 80% de las peticiones aprobadas.

3- ”Nadie puede entrar ni salir”, ”el 80% de la población vive de la ayuda humanitaria”:

Si nadie puede entrar ni salir, ¿cómo llega la ayuda humanitaria de la que vive el 80% de la población? Vuelvo a indicar el segundo punto y el primer ”post” del tema donde me aseguraron que tampoco nada, a parte de nadie, entra o sale.

4- ”Los derechos humanos son pisoteados cada minuto”:

Imagino que Hamás tendrá algo que ver en ésto, no hay más que ver sus estatutos, sin contar con su mandato de facto.

5- ”Les han robado sus cultivos”:

Sería inviable mantener una dictadura de hecho dentro de Gaza al mismo tiempo que ese mismo territorio está custodiado por un ente ajeno. Esta frase, tomada literalmente sólo tiene algún sentido en el octavo punto.

6- ”…Silenciados”, ”imagínense cómo es sentirse olvidado”, ”…silencio impasible de la comunidad internacional, que no escucha, que no mira, que no condena” ”… y silencio”:

Quizás los propios palestinos lo estén, pero a juzgar por la reiteración de la grabación y, sobre todo, la de los medios de comunicación, da la sensación de ser uno de los pocos problemas del globo.
El conflicto entre Palestina e Israel ha sido noticia (sobresaliendo la situación palestina en las últimas décadas) desde su inicio mientras hace tiempo que no he encontrado nada sobre lo ocurrido con Laurent Gbagbo en Costa de Marfil, los obstáculos en últimas elecciones nigerianas (posiblemente debido a sus destacados yacimientos petrolíferos), el después del cambio político de Finlandia o del referéndum islandés, los tira y afloja entre Rusia y chechenia debido a las recientes políticas de la última…etc o apenas llegan noticias desde Corea del Norte, India o Nicaragua.
Es más, antes de las revueltas del norte de África y Asia, escuchaba de vez en cuando quejas acerca de la inadvertencia mediática de la figura de Gadafi, más tarde; sobre Siria.

7- ”Hace dos años tuvo lugar una masacre sin precedentes”, ”las bombas israelíes mataron a más de 1400 personas”:

Lo mismo de la primera frase en el primer punto. A parte de éso, poner de relieve que ni todas las muertes o heridos fueron palestinos en el Conflicto de Gaza, ni en el abordaje a la Flotilla de la Libertad.

Repasando un fragmento de la cronología de lo sucedido en el primer caso, El IDF comienza la operación ”Plomo Fundido” el 27 de diciembre de 2008 en Gaza resultando 225 fallecidos en respuesta a la ruptura de la tregua por parte de Hamas el 19 del mismo mes. A su vez, militantes palestinos responden mediante cohetes los cuales cuestan la vida a una israelí.
Del 28 de diciembre al 3 de enero (mismo día en que Gaza es invadida) de 2009 continúan los enfrentamientos muriendo 3 ciudadanos israelíes, y desde el 5 hasta el 6 de enero, 63 palestinos y 4 israelíes.

Ban ki-moon, secretario general de la ONU, condenó solamente a Israel por los ataques sobre zonas humanitarias, los cuales fueron achacados a ”un grave error” por Ehud Barack, ministro de Defensa en Israel.
Venezuela y Bolivia rompieron relaciones con Israel.

8- ”Israel incumple las resoluciones que le impone las Naciones Unidas”, ”se viola sistemáticamente la legalidad internacional”:

La ONU no impone porque no tiene potestad para ello, podría decirse que es una organización fundamentalmente diplomática.
El Derecho Internacional de Derechos humanos no regula relaciones entre Estados, sino derechos que deben ser garantizados por el Estado, a sus individuos y mecanismos a los que pueden acceder las personas para lograr la efectividad de esos derechos.
Lo que sí tiene valor legal es la opinión a modo consultivo de la Corte Internacional de Derecho para responder a la pregunta formulada el 8 de diciembre de 2003 por parte de la Asamblea General de las Naciones Unidas.
Con arreglo a la contestación de la CIJ, Israel viola en Cisjordania y Jerusalén Este (no en Gaza) en la construcción del muro al adentrarse kilómetros en territorio palestino y salirse del perímetro de la Línea Verde.

9- ”Llanto” o ”injusticia”:

Si los actores que rebajan el español confesando que tienen sentimientos, más allá de metáforas, como ”justicia” o ”llanto” (sin llorar) son intelectuales en este país, ahora empiezo a comprender muchas cosas. Mejor dicho, si en España se considera intelectual a una persona por el simple hecho de ser actor, entiendo la grabación del vídeo.

10- ”Nos esperan con los brazos abiertos”:

Como la pretensión es de llegar a zona bloqueada a la fuerza por encima de conferir la mercancía, seguro que por muchos quienes priman el odio a Israel sobre la ayuda a palestinos, sí.
Espero que de la experiencia se haya aprendido, la preparación del IDF sea mayor que la improvisación, y no se salde la vida de nadie al igual que el pasado año, ni aguarden sorpresas como la de Vittorio Arrigoni, activista asesinado por salafistas (grupo extremista islámico hoy escindido de Hamas y más radicalizado).

Concentración frente a la Embajada de Israel en ocasión del recuerdo de la Nakba

El manifiesto de Rumbo a Gaza asegura que el total de la asistencia fue de unas 400 personas, pero a juzgar por el vídeo y la galería de imágenes que incluye, no me atrevo a anunciar más de 100 (niños incluidos) para conmemorar la ”desgracia” de la creación de un estado (someramente mencionado al principio).

”En 1948, las fuerzas sionistas expulsaron a 750.000 personas civiles palestinas de sus hogares de acuerdo a un minucioso plan de limpieza étnica. 63 años después, el Estado de Israel continúa violando la legalidad internacional.” Redirecciono otra vez a la aclaración del principio (y a unos libros de historia del instituto, también).

”En estos meses asistimos al levantamiento de los pueblos árabes contra sus dictaduras. Pues bien, el pueblo palestino padece desde hace más de seis décadas una de las dictaduras más atroces y crueles que se pueda imaginar: la dictadura de Israel.” Atónita, en serio di por sentado que iba a leer ”Hamas” en vez de ”Israel” (¡qué ilusa!).

”Desde… esta Embajada, queremos denunciar el chantaje y la intimidación, cuando no las abiertas amenazas… para la Flotilla. Todos y todas recordamos lo ocurrido el año pasado con la primera Flotilla de la Libertad… Por eso, pedimos al Gobierno español que no ceda ante este chantaje y que cumpla su obligación legal de proteger la seguridad de las personas participantes en esta expedición.” En el momento en que estén navegando por aguas internacionales, el Gobierno no puede hacer nada. Por otro lado, no facilitan las supuestas ”amenazas”.

Para terminar, señalo mi parecer sobre esta manera de trabajar por la causa palestina; errónea evidentemente, pero el motivo está en que percibo un intento desproporcionado de atacar a un pueblo en conflicto con otro, en lugar de pretender la paz entre ambos con acciones como la del último vídeo al grito de: ”Ya queremos ver que Zapatero cierre la embajada de Israel, ¡asesinos!”

Hay muchos temas del conjunto de música dublinés U2 que me encantan, pero voy a centrarme en una de las primeras que inevitablemente se me viene a la mente cuando recuerdo al grupo; ”Sunday Bloody Sunday”.

Con las heridas más cicatrizadas, décadas y dos informes oficiales más tarde, creo oportuno hacer una entrada más propendida a la canción que al análisis de los sucesos del Domingo Sangriento de 1972.

Lo mejor de la canción es la falta de derrotismo y la fuerza que transmite, ayudada de una música a medio tiempo (aunque el vídeo sea una versión más lenta y extendida con imágenes y grabaciones de lo sucedido, la original de estudio junto a letra la dejo enlazada a continuación: pulsar).
Debe ser grandioso poder gritar en un directo aquello de ” ’cause tonight…we can be as one”, quisiera poder decir que he tenido la oportunidad de hacerlo, pero no es así, al igual que viajar a Irlanda (un anhelo junto a otros tantos países), ojalá pudiese volver de allí para corroborar que mi gusto por Irlanda, su cultura, historia…etc no es equivocado.
Sin embargo, lo más cerca que he estado de la isla ha sido beber una pinta de Guinness, las películas de la zona, libros, pasar un rato agradable en un local de estilo irlandés… y esa danza asturiana (fuera de Asturias) que me obligaron a aprender en el colegio de niña. Pensé de ella más o menos lo mismo que lo narrado por el protagonista de ”Angela’s Ashes” (Las Cenizas de Ángela) cuando hablaba sobre el baile tradicional irlandés.

Volviendo a los sucesos del 30 de febrero de 1972, señalar que han hecho falta 38 años para que Inglaterra esclareciera la inocencia de los 14 asesinados en la manifestación por los Derechos Civiles producida en las calles de Derry (casi la mitad tenían 17 años) mediante el informe Saville, el segundo tras uno que exculpaba al ejército británico en abril del mismo año, “La manifestación estaba prohibida y si no hubiera ocurrido nadie habría muerto”, claro, si los soldados hubiesen actuado con profesionalidad, tampoco.
Noticia publicada en España por la mayoría de periódicos como El País el 15/06/2010, donde el segundo y definitivo informe Saville refiere que después de estudiar las circunstancias las cuales provocaron los disparos (algunos manifestantes lanzaron piedras a los soldados), “ninguno de esos disparos ofrecía justificación de ningún tipo para que se tiroteara a víctimas civiles”. Algunas víctimas fueron abatidas por la espalda mientras huían o intentaban auxiliar a otros manifestantes.

Todo aquello inmerso en el conflicto de Irlanda del Norte de aquella época.

Desde que el director estadounidense dejó de escribir guiones para sus propias películas a partir del fracaso de ”The Foutain” (La Fuente de la Vida, 2006), dejaron de tener la marca de Aronofsky que tanto añoro y tras su última película, ”Black Swan” (Cisne Negro, 2010), se me han caído dos mitos de una vez, pero todo puede empeorar…

Después de ver ”π” (1998) y ”Requiem for a Dream” (Requiem por un Sueño, 2000), tenía a Darren Aronofsky por un joven y talento de gran potencial. Antes esperaba ilusionada lo que podría venir después, ahora vaticino su cine con escepticismo, siendo benevolente.
Admito que con sus dos primeras obras dejó el listón muy alto, no di por sentado una obra maestra tras otra, pero sí algo más que correcto que nada más se ha cumplido hasta el momento con ”The Wrestler” (El Luchador, 2008).

Nada que ver con su estilo, he de decir que me agradó bastante. Frente a las tres anteriores (π, Requiem for a Dream y The Fountain) donde las formas cobraban un estilo personal de tanta importancia como el fondo, y se adherían a él para que juntas transmitiesen al espectador lo máximo posible, usando los recursos audiovisuales al antojo de Aronofsky (películas inmensamente subjetivas, efectistas, rítmicas y con toques surrealistas); The Wrestler es un trabajo sencillo, de corte realista y secuencias de ”cámara en mano” que recuerda al estilo simplista europeo de los ’90 y ’00.
Que el estilo narrativo cambie drásticamente, no quiere decir de manera necesaria que sea a peor ni que éste no sugiera. Es más, no deja de llegar porque no se halle la complejidad anterior. Precisamente envuelve de la manera que se lo había propuesto, y el director logra hacer un gran trabajo con el guión de Robert D. Siegel y los actores Mickey Rourke y Evan Rachel Wood especialmente.

Clint Mansell es el artífice de la música para los títulos de Aronofsky desde π o ”Pi: Faith in Chaos” (Pi: Fe en el caos, arriba). Tanto ésta como Requiem for a Dream (siguiente vídeo) contienen las melodías más destacadas y recordadas, sobre todo la del tema principal de Requiem for a Dream, el cual suele asociarse a ”The Lord of the Rings” (El Señor de los Anillos) a partir de que se utilizara para su videojuego, sin embargo, es originaria de Requiem.
Por otro lado, la colaboración de Clint Mansell para el resto de filmes me resultó menos notable.
En el caso de The Wretler se caracteriza por su suavidad y discreción porque así lo requería la historia, sobresaliendo los espacios silenciosos, diálogos y situaciones por encima de la música, por el contrario, las bandas sonoras de The Fountain y Black Swan sencillamente no descuellan por tratarse de trabajos flojos y facilones.

Centrémonos en las que están acompañadas de las creaciones más impactantes de Clint Mansell: Pi (ópera prima) y Requiem for a Dream (su sucesora).

Parece ser que esta modesta obra de presentación (económicamente hablando, $60.000 de presupuesto según IMDB), tiene los ingredientes de los que carece Black Swan, pese a su menor reconocimiento. Presentada con una fotografía irreal (no puedo evitar acordarme de las computadoras de ”Brazil” de Terry Gilliam), filmada en un blanco y negro bastante contrastado y de aspecto granulosa, Pi, sí que posee un halo intrigante e intenso cada vez mayor conforme pasan los fotogramas y trata rotundamente hasta el delirio el tema de la obsesión.

Recomiendo encarecidamente la versión en el idioma original hasta para los reacios a ella, no creo que resulte pesada debido a las adecuadas pausas y concisión de sus diálogos. De esta manera nos ahorramos el grito pastoril del principio, ”¡¡PIEIIH!!”, y ganamos, entre otras cosas, los solemnes acento y actuación de Mark Margolis (Sol Robenson), y la comicidad de las primeras apariciones entre el odioso ultraortodoxo Lenny Meyer (Ben Shenkman, insoportable con su voz nasal persiguiendo al protagonista por todos lados, ”Max!, Max!, Max!”) y Maximillian Cohen (un excelente y paranoico matemático con la absurda o genial idea de encontrar la pauta del enigmático número π, encarnado por Sean Gullette).

De lo más laudable de esta película es haber conseguido realizar ciencia ficción y suspense sin apenas efectos especiales, nada más que con el argumento, ya que la irracionalidad del número pi está de sobra demostrada.
Toca en menos de una hora y veinte minutos, tres de los pilares del hombre: estatus social, ciencia y religión, a través del fanatismo religioso y la ambición (la cual no sólo puede basarse en el dinero, si no en en un afán extremo y obsesivo por la superación individual).
Todo ello con el mito de la caverna de Platón latente un año antes de que muchos identificaran a ”Matrix” como la alegoría moderna del mito (no es que no vea clara las referencias, sólo que en esos casos frecuentan olvidar las alusiones de la percepción en el proceso de impresiones e ideas según D. Hume, y del ”Cogito ergo sum” de Descartes).

El investigador parte de una premisa muy simple: si las matemáticas son el lenguaje de la naturaleza, es posible comprender todo lo que nos rodea una vez las hayamos estudiado, y hayamos establecido las pautas que rigen nuestro entorno, sean los ciclos climáticos o sea el ”supuesto” discurrir del mercado bursátil.
Pronto veremos que unos trabajadores para Wall Street no son los únicos que coaccionan a Max para hacerse con la clave cual posibilita el advenir de los números en la bolsa. Unos fanáticos religiosos (quienes, ¿pronuncian el nombre de Dios en vano?) andan tras él desde que creen que podrían desentrañar La Cábala y el verdadero nombre de Dios utilizando su investigación.

Con un humilde hueco sembrado por π, se estrena Requiem for a Dream dos años más tarde, en 2000. La obra de Aranofsky que se ha incrustado en mi cabeza de tal forma que seguramente sea el motivo por la cual esté escribiendo ahora.
En una hora y media y un tiempo de rodaje bastante limitado, como solía pasar con tantas películas clásicas, ésta se divide en tres partes cada una más corta que la anterior: verano, otoño e invierno.

Presentación de los personajes.

Los cuatro actores principales se van distanciando entre sí progresivamente para exponer de un modo peculiar, recordando al coral, sus vivencias.
Todos están relacionados con Harry, Jared Leto (hijo único de Sara Goldfarb, de quien depende emocionalmente y pasa por alto todas sus tropelías, no estudia ni trabaja desde la graduación en el instituto al parecer, y el uso de drogas por su parte, la de su mejor amigo y su novia, es ocasional). Sarah Goldfarb, Ellen Burstyn (viuda y jubilada, sus únicos entretenimientos y obsesiones son la comida, la tv y charlar con las amigas en el portal de su edificio), Marion, Jennifer Connelly (novia de Harry, ”chica bien” con una tensa relación paternofilial) y Tyrone, Marlon Wayans (el mejor amigo de Harry y compañero de fechorías).
Cada uno de ellos se sumergen en el mundo de las drogas de una forma atípicamente realista.

Darren Aronofsky sonsaca de los actores unas eminentes interpretaciones (por eso mismo me extraña tanto lo sucedido con Natalie Portman en Cisne Negro), sinceramente, no encuentro a Ellen Burstyn mejor que a Jennifer Connelly a pesar del superior reconocimiento frente a la segunda, no porque sea una de mis actrices predilectas, pienso que la escena en la que espera sentada a que Harry regrese a casa después de haber recorrido y buscado por todo el piso sin éxito, algo con lo que aliviar el síndrome de abstinencia; es suficiente para lo demuestra.
Jared Leto resuelve su papel de forma sobradamente aceptable y creíble, lo cual no es poco teniendo en cuenta a un actor de limitadas virtudes, mientras Marlon Wayans, conocido por su faceta cómica, rezuma naturalidad sin que su inexperiencia como actor dramático sea ningún obstáculo en su trabajo.

Al igual que π, la trama y el ritmo son ascendentes, volviéndose cada estación más compleja, precipitándose los acontecimientos y cargándolos de angustia. Superando con creces el suspense de π y el pretendido sentimiento de agobio de Black Swan, llegando a un climax impactante por su crudeza.
No es una trágica película de lágrimas, pero destroza por dentro mucho más que un drama al uso.
Mantiene con presteza los montajes y cortes de π, más los apropiados fundidos en blanco. Si bien en Pi eran utilizados con un fin tendente a lo imaginativo, en Requiem por un Sueño son empleados para su tradicional dramatización, al estilo de la serie ”Six Feet Under” (A Dos Metros bajo Tierra).

Atemporalidad.

Hay un detalle que quizá llame la atención al espectador tratándose de una película de 2000; con todo lo que acontece y pese a las distancias, en ningún momento se utiliza un teléfono móvil. Algo que tiene una interesante explicación:
Según el propio director, no quería situar los hechos en una época concreta, de modo que pudieran haber pasado en cualquier fecha desde los ’70 hasta nuestros días, haciéndolos un poco más universales. De esa manera, opino, ayuda a extender el mensaje.
Algunos ejemplos:

- La mencionada ausencia de móviles.
- Esa palabra recurrente del Tyrone, ”dinamita”, propia de los ’70.
- Ropa de los ’90.
- Las pintadas de las calles, el montaje y base rítmica hip-hop en sus primeras ventas como traficantes. Típicas escenas de los ’80.

Decisiones y consecuencias.

En Requiem por un Sueño se presentan tres decisiones claves de las que dependerá el devenir de los personajes:
La primera se da a los pocos minutos, cuando Harry propone hacerse camello temporalmente, para luego disfrutar de los beneficios. Muy significativa, a mi juicio, la primera reacción de Marion, ”What’s the catch?”, una forma coloquial de decir algo similar a ”¿Dónde está la gracia/ventaja en eso?” O ”¿Qué hay de bueno en eso?”.
La segunda se produce desde el primer arresto de Tyrone, cuando empiezan a tirar de los ahorros de las ventas (en este caso para pagar la fianza, en otros para, irónicamente, pagar sus propias consumiciones) pasando a ser un saco roto del que sale más dinero del que entra.
Por último, la tercera decisión clave la toma Sara después de dudar entre ingerir o no más píldoras para adelgazar (las cuales son básicamente anfetaminas) de las indicadas por un médico que presta más atención su reloj de muñeca que al paciente en unas consultas frenéticas.

Requiem for a Dream no dista demasiado en diversos aspectos de Pi, no sólo en ciertas utilizaciones de cámara, sino en algunos de los temas que toca como la obsesión, desesperanza y la búsqueda enfermiza de algo que compense nuestras carencias.

Cuando Harry visita a Sara, se percata de la adicción de su madre a las pastillas.
Ni la soledad ni el sentimiento de inutilidad de la anciana me resultaron tan terribles como el hecho de que madre e hijo se tuviesen cara a cara y la sensación de vacío fuera la mayor de todo el filme, a pesar de mostrar con una acertada interpretación corporal el amor mutuo frente a ese portazo desolador de cierre de secuencia.

La sugerida historia pasada de Tyrone y su madre sin nombrar qué le sucedió exactamente, muestra perfectamente similares traumas sin necesidad de seguir ahondando.

[Nota: Si alguien está leyendo ésto y no ha visto la película, recomiendo que pare y salte hasta los vídeos porque relato un detalle de a mediados de cinta por el cual puede descubrirse una parte del final].

El deterioro de los protagonistas llega a un punto, que del uso de drogas puntual y por diversión, pasan a utilizarlas como conducto para evasión de problemas diarios (por ejemplo, la inyección de Harry después de visitar a su madre), hasta recurrir a cualquier cosa (como una infidelidad pactada para obtener dinero) y consumir para evitar el síndrome de dependencia.
Un buen ejemplo es la respuesta de Marion cuando al despertarse se da cuenta de que no hay nada con lo que colocarse, ”what are going to do?”, ”it’s your fault we don’t have something for the morning” (”¿qué hacemos?”, ”es tu culpa que no tengamos nada para la mañana”), y otro es la herida en el brazo de Harry que ignora hasta las últimas consecuencias con tal de seguir pinchándose.

Sin duda, una de las cosas que hacen que Requiem for a Dream funcione tan bien como película antidrogas exenta de moralinas, es el mostrar las terribles consecuencias de los cuatro personajes sin acogerse a la solución más fácil en estos casos; la muerte.
El autor reserva cuatro finales diferentes para cada uno de sus protagonistas, en los cuales todos viven infaustos mientras el espectador se pregunta si en algunos casos la muerte hubiese sido mejor forma de terminar.

El fracaso económico y de gran parte de la crítica de The Fountain, supone el fin hasta el momento de la etapa guionista de Darren Aronofsky en sus propias películas (junto a Hubert Selby Jr, autor de la novela original, y Ari Handel, en Requiem for a Dream y The Fountain respectivamente).
Un novísimo filme sobre la muerte como inicio de la vida, terminando como empieza (mensaje captado desde los cuatro años con ”Bambi” y su posterior versión felina de ”Hamlet” o ”The Lion King” (El rey león), que para el caso es lo mismo) y del anhelo por la vida eterna (el mito del manantial de la eterna juventud), una fotografía maravillosa (dorada y barroca como ella sola, todo hay que decirlo), una historia que mezcla el presente estadounidense, el pasado español y maya, y el futuro (éste último mientras viaja atravesando el universo en una ”nave-burbuja”, rodeado también de mitología maya añadida a entrenamientos y ejercicios de meditación extremorientales durante el trayecto, Dios sabrá porqué). Y para terminar, un tópico romance con algún moribundo (lo nunca visto).
Entretenida, olvidadiza y visualmente llamativa.

Por fin, el turno de Black Swan, el último filme de Aranofsky el cual supone a mi modo de entender el reconocimiento tardío y fuera de tiempo tanto al director como a la actriz principal, Natalie Portman.

Desde que leí la sinopsis en ”filmaffinity.com”, ya supe el final (o parte importante del mismo):

”Una bailarina de ballet se enfrentará a la rivalidad con una compañera, una confrontación cada vez más tensa conforme se acerca el día de un gran espectáculo. El problema es que no se sabe si esa compañera es una aparición sobrenatural o es fruto de la mente perturbada de la protagonista.”

Bueno, en realidad ese era el argumento que me encontraba en Filmaffinity desde su producción (éste está sacado de ”ecartelera.com”), ahora vuelvo a la web y me encuentro lo siguiente:

”Nina (Natalie Portman), una brillante bailarina que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York, vive completamente absorbida por la danza. La presión de su controladora madre (Barbara Hershey), la rivalidad con su compañera Lily (Mila Kunis) y las presiones del exigente director (Vincent Cassel) se irán incrementando a medida que se acerca el día del estreno. Esta tensión provoca en Nina un agotamiento nervioso y una confusión mental que la incapacitan para distinguir entre realidad y ficción.”

Tal vez la segunda descripción encaje mejor con una película de prestigio, por lo que ésa es mi teoría del auténtico motivo del cambio.

No hay que ser un genio, ni siquiera cinéfilo, para averiguarlo. Un espectador medio podría haberlo adivinado, ATENCIÓN, REVELO ”SORPRNDENTE” FINAL: ¿”No se sabe si esa compañera es una aparición sobrenatural o es fruto de la mente perturbada de la protagonista”?, ésto está más visto que las piedras; una ilusión, igual que en ”Fight Club” (El Club de la Lucha), su copia ”The Machinist” (El Maquinista), ”Los Otros” (The Others), ”Shutter Island”…etcétera, y todas las películas que pretenden hacer pasar por originales y sublimes, proyectos con un recurso (vuelta de tuerca) que tuvo su apogeo en los ’90 (acordémonos de David Fincher, por ejemplo, realizador que supo adaptarse al contrario que M. Night Shymalan) y que a estas alturas, no cuela.

Pero Cisne Negro no me parece mediocre como mucho sólo por lo explicado. Los primeros cincuenta minutos aproximadamente sobran, no cuentan absolutamente nada y para cuando el argumento arranca de verdad, quedan otros cincuenta más o menos en los que tampoco transcurre nada especial, todo lo contrario, una historia simple de la que al menos podemos disfrutar de la dirección artística en los últimos minutos con ese ensoñador fundido en blanco que tanto gusta al sr. Aronofky.
No me meto en la piel de ninguno de los unidimensionales papeles, ni en el de la protagonista por mucha doble personalidad que tenga. Es más, la película ha conseguido destrozarme un mito; Natalie Portman, una de mis actrices favoritas. Siempre que he visto una película (independientemente de su calidad) en la que apareciese ella, daba por hecho que iba a estar soberbia, y no me había equivocado hasta ahora. La última prueba fue ”Brothers” (Hermanos), del irlandés Jim Sheridan, ”remake” de la danesa ”Brødre”. Habiendo estado Connie Nielsen en la original la elección el difícil, pero estaba acostumbrada a que Natalie Portman se saliera de la pantalla (en aquella ocasión quien me sorprendió para bien fue Tobey Maguire).
Sin embargo, es la primera vez que me quejo de la interpretación de Natalie Portman. Tiene los mismos gestos para todo, por ejemplo, cuando le comonicó a la madre (Barbara Hershey) que era la elegida para el papel, más que emoción de alegría por la noticia, parecía que se estaba muriendo de pena.
En cuanto al resto de actores, los únicos trabajos que me convencen son los de Vincent Cassel y los pocos instantes de Winona Ryder (”Dracula”, Coppola, … qué recuerdos), que tristemente se asemejan a su propia vida.
Por cierto, Mila Kunis no sé qué pintaba la primera mitad de la película, su personaje no sirve para nada hasta que el largometraje empieza a tener sentido. Sobrevalorada.

¿Tanta ovación porque ya les tocaba a Darren Aronofsky y a Natalie Portman?, ¿se tendría la misma opinión general de Black Swan si la hubiese filmado un cineasta con un pasado menos prometedor, como Nick Hamm, de ”Godsend” (El Enviado)?

”Everything Is Iluminated” es una de esas pequeñas joyas que pasan desapercibidas entre el resto de cajas de películas independientes, que se suelen descubrir gracias al boca a boca y, pienso, no deben dejarse pendientes para ver en un futuro próximo.

El director y responsable de la adaptación en 2005 a guión del libro homónimo del joven escritor Jonathan Safran Foer, es el conocido en la faceta de actor Liev Schreiber, ambos noveles en sus respectivos trabajos. Y los protagonistas son Eugene Hütz (músico de profesión en Gogol Bordello, grupo que llega a prestar su música y modesta aparición en la película. Próximamente les dedicaré una entrada), Elijah Wood (no, no sólo fue Frodo en ”The Lord of the Rings”, El Señor de los Anillos, lleva consigo una extensa carrera actoral desde niño), y Boris Leskin.

Como casi siempre que vaya a escribir de cine o literatura (todo llegará), advierto que revelaré detalles de la trama.

Al principio del filme nos puede parecer más común de lo que luego podremos comprobar. Al igual que tantas veces, todo empieza con la muerte de un familiar, pero en esta ocasión no es la excusa para que el protagonista viaje a su pueblo natal a asistir al funeral, reencontrarse con su pasado y afrontar lo que le pueda llegar ocurrir a partir de entonces. Esta vez, la muerte sirve de partida por primera vez, no de regreso, a un país extranjero (de EE.UU a Ucrania). No mira hacia el futuro, si no al pasado en busca de respuestas en lugar de tropezar con viejos problemas familiares o personales. Jonathan, Elijah Wood, no es alguien con traumas familiares, es únicamente una persona excéntrica y reservada en busca de los orígenes de su abuelo en Ucrania antes de emigrar a EE.UU a causa de la persecución nazi en la Segunda Guerra Mundial y para asentarse en un lugar más próspero.

Allí se cita con Alex (Eugene Hütz), su intérprete y guía al otro lado del Atlántico, y es en ese momento cuando entra como verdadero protagonista. Él era quién arrancó la película como narrador y quien nos la muestra en ”capítulos” al estilo dogma más ligero (sólo al anunciarlos).
Su abuelo, tercer Alexander en línea ascendente, es un antisemita el cual paradójicamente fundó un negocio consistente en recorridos por el país con el propósito de ayudar a judíos adinerados a encontrar a sus antepasados muertos.
Los tres más Sammy Davis Jr. Jr. (la trastornada perra lazarillo de Alexander para que éste pueda conducir, ya que desde que enviudó cree estar ciego, y a la que Jonathan tiene fobia como al resto de los perros) recorren Ucrania en busca del ”shtetl” Trochinbrod, la única pista de la que disponen junto a una foto del abuelo de Jonathan S. Foer (o ”Jonfen -S. Fur-”, como se empeña en llamarle su intérprete Alex, desde su cartel de bienvenida) con Augustine, la mujer que le ayudó a huir.

Durante el trayecto hasta su desenlace, se irán entremezclando los motivos que iniciaron el viaje de Jonathan con los propios problemas entre el conductor y el intérprete, abuelo y nieto.
Mientras Jonathan perdió a su abuelo siendo un niño con quien tuvo una relación aparentemente feliz, el de Alex vive todavía, pese a ello, es fácil advertir heridas internas las cuales ha ido arrastrando a lo largo de los años a escondidas y deteriorando su relación con los que le rodean, en especial con su nieto.
Sin embargo, sin saber porqué exactamente, esas heridas se van haciendo cada vez más palpables conforme se acercan a su destino.
El largometraje da ciertas pistas a propósito y con humildad de lo que realmente ocurre sin explotar el ya manido recurso ”twist ending” al final (cambiar las tornas de la historia), por el contrario, se ve venir poco a poco cómo podría acabar todo sin resultar previsible.

De una forma que logra un equilibrio perfecto; no cae en tópicos lacrimosos con excesivos detalles al mismo tiempo que no llega a ser fría. La película contiene la frescura de la ópera prima que es, además de esa emotividad tan difícil de lograr sin pecar de cualquiera de los los dos frecuentes errores antes mencionados (sobre todo del primero).
El filme también se nos presenta con cierto estilo propio del cine de Europa del este, del cual el caso más conocido quizá sea el del realizador Emir Kusturica, armonizando perfectamente comedia y drama.

Pero los choques culturales, lazos y relaciones familiares, miedos internos, la puesta en escena de un país dividido (Ucrania, entre los partidarios de una visión tendente a lo pro Europeo y occidental, y los defensores de una perspectiva más eslava), la persecución nazi a los judíos a principios de la guerra, no son los únicos temas de Everything Is Illuminated.
No importan la religión, etnia, procedencia o circunstancias personales del espectador. Esta obra sobrepasa aquellos y muchos más temas comunes a todo ser humano, permitiendo a cualquiera conectar con los personajes en un marco sencillo de cuestiones complejas: dirección artística limpia, equilibrada, con algunos guiños oníricos y realizada con originalidad, una banda sonora muy adecuada a la par que difícil de olvidar y una dirección, en definitiva, de gran talento que sabe sacar el máximo partido a cada actuación, ya sea del experimentado Elijah Wood, del primerizo Eugene Hütz (de una naturalidad pasmosa) o de un extra que se pasee tres minutos por la pantalla (¡hasta Sammy Davis Jr. Jr., la perra fanática de Michael Jackson sobresale!).

Para terminar, alabar su buen ritmo hasta cerca del final, cuando me parece que falla por redundante. Ya estaba todo claro, no era necesario seguir incidiendo, por otra parte, no me parece creíble la reacción de Alex en la última escena con su abuelo, fallo del guión para mí al igual que la actitud de Jonathan ante la perra, demasiado leve para ser una fobia.

Hasta hace relativamente poco, creía que las películas realmente malas eran como ”xXx”, ”The Ghost Rider”, ”Van helsing” o cualquier secuela de ”Jackass” o ”American Pie”. Pero no, hay otras infinitamente peores, y uno de los síntomas para identificarlas se da cuando notas que te has reído cuando deberías haberte asustado, intrigado o incluso apenado.

Eso sí, debo confesar que desde que vi la primera de este tipo (inclasificables, ni serie Z ni nada), las adoro, y aconsejo siempre no verlas solo para sacarles el máximo partido (sin pasarse, que por abusar uno puede acabar teniendo la sensación de haberse atontado un poco). Carcajadas aseguradas .

Estos son los peores largometrajes que he visto hasta ahora, que no los peores de la historia (no soy tan pretenciosa) y sin seguir criterio alguno en su orden. Espero seguir descubriendo más ”perlas” como estas para futuras sesiones del único cine para el cual no es apto las palomitas, pueden producir asfixia sumándolas a las risas involuntarias (aviso de ”SPOILER”):

1- ”DNEVNOI DOZOR” (Guardianes del Día), Timur Bekmambetov, Rusia, 2006.

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”Guardianes del día” fue el primer filme por recomendación que alquilé para una de estas sesiones que ya he convertido en costumbre. Cumplió las expectativas… y con creces… las risas se oyeron hasta en la calle.
Según la contraportada no se había logrado nada similar desde ”Matrix” y el tráiler (abajo) nos asegura que Timur Bekmambetov es todo un visionario, ¿del ridículo?.

Es que la historia promete: los grupos que custodian el equilibrio entre las fuerzas del bien y del mal disputándose una tiza. Sí, una puñetera tiza, bueno, en realidad no es una cualquiera, se trata de La Tiza del Destino, obteniendo así una versión del ”Señor de los Anillos” a la ensaladilla rusa, pero con la mayonesa cortada.

A ésto hay que aclarar la trágica historia de cómo empezó la lucha entre los ”Otros de la Luz” y los ”Otros de la oscuridad”: los malos y los buenos coincidieron en un puente, nadie cedió el paso y comenzó la pugna (no es broma, si alguien duda que eche un vistazo a los primeros minutos de ”Guardianes de la noche”, su antecesora).
La leyenda cuenta que ante el sufrimiento que le causaron al jefe de los Otros de la Luz las muertes, lloró, mientras Zavulón, el líder de la oscuridad, se regocijaba. Atención, fotograma del bueno llorando (¡así lloran los rusos!, doy fe):

zavulon

Tal fue su tristeza que congeló la batalla, ¿cómo?, con un simple grito y gesto de furia. ¿Por qué no la detuvo antes si era tan fácil?, no se sabe. Entonces pactaron una tregua que dura desde siglos atrás hasta hoy en día.

Volvamos a la segunda parte, Guardianes del Día, una maravilla de película donde caben actuaciones, montajes y situaciones de lo más absurdos. Si en Guardianes de la Noche pudimos contemplar el recorrido de un tornillo durante casi un minuto sin relación alguna con el ”argumento”, aquí se ven secuencias aún más extraordinarias, como cuando el protagonista se conecta a Messenger y Zavulon (el supermalo) le escribe, que para eso el bueno le tenía agregado, aquellas escenas tipo anuncio de desodorante fresco en la ducha de la pareja principal con los cuerpos intercambiados, las escenas que no venían a cuento de mosquitos que aparecían al ponerse unas mágicamente poderosas gafas de sol en noche cerrada o las motos que atacaban a un camión del cual habían salido y que se suponían estaban en el mismo bando.

La guinda del pastel la he reservado para el final, el momento más memorable para mí. En una tensa fiesta, llega un personaje a atacar a Zavulon con un puñal de hueso, forcejean, pero todo parece solucionarse cuando Zavulon grita abrazando a su enemigo ”¡Tango!”, con quien baila hasta romper el cristal del edificio y precipitarse en una caída en la que dicho personaje acaba con el arma clavada.

Después de éstos y más despropósitos(como el de un coche al que no le afecta la gravedad sin explicación alguna y recorre sin problemas un edificio en vertical rompiendo de todo menos los cristales) acaba la película, no sin un buen final:
El protagonista se hace con La Tiza del Destino, escribe en un muro algo así como ”todo esto no ha pasado” y nos remontamos al año 1992 y a unos peinados con dobles coletas infantiles y melenas para que no se note la diferencia de edad de los personajes.

Ni los efectos especiales salvan el proyecto, el resultado es totalmente antiestético y el montaje horrible.

2- ”ALONE IN THE DARK”, Uwe Boll, Canadá, Alemania y U.S.A. 2005.

videojuego

¿Qué podemos esperar viniendo de Uwe Boll, el Ed Wood de las finanzas?. Estas son algunas estimaciones según IMDB de algunas de sus joyas:

”Alone in the Dark”, 2005: apenas $5,2 millones recaudados y con un presupuesto de unos $20 millones.

”BloodRyne”, 2006: poco más de $3,6 millones partiendo de un presupuesto de $25 millones.

”In the Name of the King: A Dungeon Siege Tale” (En el Nombre del Rey), 2007: ni $5 millones contando con una inversión de $60 millones.

¿Que cómo sigue trabajando?, bueno, no es una pregunta de ordinaria respuesta. Este señor, que muy amablemente manda a paseo a quien ose criticar su cine, ha seguido en muchas de sus películas un cuestionado sistema de financiación ya extinto a base de subvenciones alemanas que exigían dirección, producción y guión germanos. (notasdecine.com).

En fin, vamos con la cinta en cuestión; ”Alone in the Dark” (después de verla entiendo la avalancha de cartas por parte de los fans de videojuegos a los que este cineasta alemán le gusta tanto adaptar), un sinsentido, la decadencia del séptimo arte se palpa en cada fotograma, ¡cuánto celuloide maltratado!.

Al aparecer los créditos finales las preguntas se tornan inevitables, ¿qué leches ha pasado aquí?, ¿esto de qué iba?. La introducción eterna, las escenas de lucha del principio ridículas e increíbles (sin haber explicado si el malo era sobrenatural o no, durante una larga pelea, éste no se muere ni a tiros, y nunca mejor dicho, pero al final se mata de una caída empalado de la forma más tonta), balas desperdiciadas (a ver, si los bichos translúcidos esos ni se han inmutado después de 67 disparos, no creo que les pase mucho al sexagésimoctavo), diálogos disparatados (un ejemplo, se supone que Christian Slater es un detective especializado en casos paranormales consciente de que siempre han existido fuerzas malignas contenidas luchando por salir de la oscuridad y hacer de las suyas. En la charla típica con el taxista de turno le cuenta a lo que se dedica, y éste se queda tan pancho siguiendo la conversación hubiese oído llover)… y sigue así la cosa.

Pero no sólo de acción y monstruos vive el hombre, esta es también una historia de amor, no muy apasionada, pero la hay. En realidad se trata únicamente de una escena que relato a continuación:

Tara Reid en plan bibliotecaria de película porno con pantalones ajustados, camisa, moño y unas gafas que no deben servir demasiado, porque cuando las lleva están a mitad de la nariz y mira por encima de ellas.

Christian Slater en camiseta de tirantes, vaqueros y abrigo, siempre, ¡para qué cambiar!.

La pareja protagonista trabajan y viven aventuras terroríficas al más puro estilo ”Indiana Jones” o ”Tremors” (Temblores) con normalidad, hasta que un día ella va a la casa de su compañero de trabajo, deja el bolso a un lado, se recuesta a su lado en la cama, hay una teórica secuencia de sexo sin desnudos con la misma cara de excitación que pongo yo cuando salgo a comprar lechuga para la ensalada… y ya está.
No se vuelve a hablar del asunto y estos dos siguen el resto de cinta como si nada.

Otro ingrediente indispensable para la obra es el drama, hubo una secuencia que me sobrecogió. Una chica que les ayudaba en su peculiar periplo muere irremediablemente por una de las bestias semitransparentes, por fortuna, la tragedia no dura demasiado, ya que al director se le pasó por alto cortar la escena a tiempo y se aprecia cómo empieza a incorporarse.

Es que Uwe Boll es todo un maestro, sólo él puede reunir a estrellas de la talla de Ben Kingsley, Ray Liotta, Leelee Sobieski, Geraldine Chaplin, Michelle Rodriguez, Stephen Dorff, Brendan Fletcher, Burt Reynolds, David O’Hara, Luke Perry, Edward Furlong, Michael Paré, Ron Perlman…
Vale, es cierto que algunos no han dado señales de vida en años, han perdido algo de forma o se dedican ahora al cine de serie B, pero es que el sr. Boll es todo un alma caritativa.

Para este año, el experto en versiones de videojuegos que dan pena, amenaza con ”Auschwitz”, un filme serio acerca del holocausto nazi que con el currículo de Uwe Boll no parece ser el más indicado para rodar sobre el tema. Por mi parte, he tenido el dudoso honor de ver un avance en el cual él es un verdugo nazi dormitando (creo) al otro lado de la cámara de gas.

3- ”ZOMBIE WARS”, David A. Prior, U.S.A. 2006.

zombi

Aun siendo intencionado en este caso, hace relativamente poco tiempo decidí dejar de ”tragarme” cualquier cosa por el mero hecho de que venga del subgénero zombi o vampiro, una extraña debilidad cinéfila entre tantas (la última de Romero, ”Survival of the Dead”, fue la gota que colmó el vaso).

Volviendo a la cinta en cuestión, ni lo que pueda escribir aquí ni el tráiler que está editado de forma que disfraza la verdadera cara del largo, pueden dar una mínima idea de lo que es ”Zombie Wars” en realidad.

Nos hallamos dentro de medio siglo, en un futuro post-apocalíptico donde los humanos se están extinguiendo y los zombis tienen el control a base de un sistema organizado de trabajo y de crianza de humanos.
Ahora bien, los zombis las pasan canutas para alimentarse, ya que tienen que esperar a que el ”ganado” crezca.

Ojo a los efectos especiales, sólo con poder decir que uno de los zombis, en vez de caracterizado como un muerto viviente, directamente tenía una máscara verde de extraterrestre sobre la cabeza… ya puede vislumbrar uno cómo será lo que está por venir: maquillaje de horror sólo en la cara (viéndose en perfectas condiciones el cuello y los brazos), pasos de una escena a otra con todo tipo de cortinillas (y su sonido correspondiente) al parecer de ”Windows Movie Maker”…etc.

Claro que si nos fijamos en el reducto de humanos… comprenderemos porqué les va tan mal.
Siguen teniendo munición, vestimenta militar, pilas, radio…etc, tras cincuenta años, pero tienen por muro de defensa a unos hierros situados únicamente en uno de los cuatro lados del área con una altura de un metro aproximadamente, custodiada día y noche.

”Zombie Wars” hace referencia a otras grandes obras de la gran pantalla como ”Psycho” (psicosis), ”A Streetcar Named Desire” (Un Tranvía Llamado Deseo), ”Matrix” o ”Terminator”.
Unos ”padre-peleles” zombis maniatados para dar compañía y charlas ficticias, una protagonista llamada Estrella que se pierde (¡Estrellaaaa!), balas ralentizadas, un primogénito que podría liberar a los humanos en el futuro… En fin, perfecta para cualquier día no laborable por la tarde con unos amigos en casa.

4- ”ELEPHANT”, Gus Van Sant, U.S.A. 2003.

elefante

Somnolencia más que gracia.

Siempre intento mantener mi propio criterio aunque no sea el de la opinión dominante y cuando me rebaten con prestigio, críticas, premios… suelo responder lo siguiente: ”Elephant se llevó la Palma de Oro en Cannes a la Mejor Película y Mejor Director y me parece una bazofia”.

La NADA. Personajes que por querer presentarlos de forma sencilla y no saber hacerlo, quedan desdibujados. Típicos ”silencios interesantes” que no transmiten y adolescentes paseando por el centro educativo todo el tiempo. Pedante y vacía película.

¿Cómo pueden una hora y quince minutos hacerse tan largos?. Sólo dura eso y no pude verla seguida, me desesperaba, me aburría y me quedaba dormida, así que la terminé a trozos.
”Los Nibelungos” de Fritz Lang e ”Intolerancia” de D. W. Griffith juntas me engancharon mucho más que Elephant, me pasé todo el tiempo deseando que los matasen a todos (sin ofender, está basada en el suceso del instituto estadounidense Columbine).

Es lo que ocurre cuando a Gus Van Sant tiene la feliz idea de escribir los guiones de los largometrajes que él mismo dirige. Véase el caso de ”Last Days”, esta vez inspirada en los días precedentes a la muerte de Kurt Cobain.
Más de una hora mostrando a Michael Pitt en silencio (o gruñendo como mucho), lento y en el papel de drogado y ebrio.

5- ”AMEN”, Constantin Costa-Gavras, Francia, Alemania y Rumanía, 2002.

holocausto

En esta ocasón, tropecé con una de las peores películas que he visto en mi vida por pura casualidad.
Aprovechando una oferta de dos por 2,50 euros, alquilamos ”Alone in the Dark” (a sabiendas de la basura que nos esperaba) y ”Amen”, una película seria en teoría que nos salió rana.

Después de ver esta última, leí estos fragmentos de críticas en ”Filmaffinity.com”:

“Lo que cuenta es tan fuerte que suple las carencias artísticas de Costa-Gavras, su didactismo, su molesto afán para que todo quede demasiado claro. (…) Hay que agradecerle al legal e incisivo Costa-Gavras que siga desvelando viejas atrocidades, pero su estilo para hacerlo sólo alcanza el aprobado.” (Carlos Boyero: Diario El Mundo)

“Sin hacer una obra maestra (Costa-Gavras suele estar como director por debajo de los magníficos y ambiciosos asuntos que filma) nos sitúa ante el rostro de esta herida sangrante” (Ángel Fdez. Santos: Diario El País)

En mi opinión, NO. De lo que trate una obra artística no tiene nada que ver con su calidad, por lo tanto, no me parece excusable.
Afirmo rotundamente y sin complejos que me pareció pésima. A lo largo de los primeros quince minutos nos quedamos con cara de idiotas ante semejante esperpento, entonces salimos de nuestro asombro y confieso que acabaron doliéndome los abdominales de la risa.
No creo que ensalzar un trabajo simplemente por su temática sea útil realmente. De hecho, pienso que se les hace un flaco favor en estos casos tanto a los espectadores como a la historia.

En los primeros momentos noté que todos los alemanes actuaban demasiado iguales entre sí y con la expresividad del mármol, salvo el protagonista, quien debió hacer caso omiso a las indicaciones de Costa-Gavras.

Sea como fuere, para mí esta película alecciona sobre cómo la estupidez es más peligrosa que la propia conducta homicida.

Me explico, Kurt Gerstein, el personaje principal, es un ingeniero químico y militante de las SS que se encarga de suministrar el gas Ziklon B (en un principio sólo un desinfectante) a los campos de concentración.
Sin embargo, desde que observó a través una mirilla cómo gaseaban a personas, decidió denunciarlo e informar a diplomáticos (como hizo con el sueco en el tren justo después de tan terrible experiencia) y principalmente a altos cargos de la iglesia católica en el Vaticano y a sus propios compañeros.

Es entonces cuando entra en acción el personaje que encarna Mathieu Kassovitz; Ricardo, un zapato de actor, sinceramente, cuando se enteró de que los judíos no eran deportados, sino exterminados, en el salón del piso todos creímos que se estaba alegrando, en lugar de aterrarse por la noticia. ¿Por qué?, por lo siguiente; si pulsamos encima del cartel de arriba y agrandamos, podremos apreciar una ligera sonrisa en el hombre de la derecha. Es leve, pero vista en una televisión adecuada y con el DVD original, pudimos comprobar ése y muchos más deslices del filme.

Todavía sigo preguntándome si ciertas escenas eran en realidad paréntesis de humor o no, un ejemplo es la del hijo haciendo el saludo al führer en los momentos más inoportunos, otro, la del fotógrafo en el Vaticano, un prototipo de italiano circense que no paraba de hablar en su idioma natal de forma exagerada e imitando las maneras italianas con espasmos más que con gestos, para luego soltar ”Mon dieu!”.
Queda claro que Constantin Costa-Gavras y Jean-Claude Grumberg (los guionistas) no distinguen el francés del italiano.

Será difícil rodar planos faltos de gracia en un palacio, pero sin duda esta película lo consigue: están mal encuadrados, con una perspectiva sin gusto y descuidada, en una comida daba la impresión de haberse estropeado todas las cámaras menos una (la cual no da abasto con todos los actores, de forma que se muestran a destiempo y apresuradamente), y para rematar, unos falsos fondos que recuerdan a los de las fotografías que nos tomaban de pequeños en la escuela haciéndose pasar por paisajes reales. Sólo hubiese colado si no hubiera llevado lentillas aquel día.

A todo eso hay que añadir la ineficacia de la narrativa. Tiene un ritmo desmarcado y salta en el tiempo como quiere, del mismo modo que se repite una y otra vez en el mensaje que intenta transmitir: ”la pasividad de la iglesia ante las atrocidades del holocausto nazi”.

Sin embargo yo no recibo tal denuncia. Lo que me llega es la ineptitud de un protagonista que no para de decirles a los propios nazis que están matando judíos (¿de verdad?, ¿no me digas?), que desaprovecha pasajes (ya que va y viene tanto de Italia… algún pasaje podría haber salvado una víctima), que se le llega a ocurrir olisquear el Ziklon B mientras los demás usan protección, y para colmo; firma su sentencia de muerte al no tener nada que le exculpase cuando acabara la guerra porque ”tenía que estar como testigo, no podía salir de mi puesto”. Ainss.

6- ”SURF ZAZIS MUST DIE” (Los Surfistas Nazis Deben Morir), Peter George, U.S.A. 1987.

nazis

Otra de nazis, pero surfistas esta vez. ¿Qué se puede esperar de una película con semejante título y cartel?, pues eso, que unos pandilleros neonazis surfistas luchan contra otras bandas de la zona como la de los samuráis por el control de las costas californianas tras un gran terremoto en un ”futuro próximo” (muy próximo tendrá que ser porque el ambiente no podía ser más ochentero) que deja L.A sin control policial y prácticamente en la anarquía.

Pero el despropósito sigue, una anciana afroamericana, ¿es que no es estadounidense? de color, ¿es que los demás somos invisibles? negra y gigante residente de un asilo prepara su personal venganza contra los neonazis que mataron a su hijo. De modo que la ”supergrandma” no duda en perseguirles montada en una Harley, vestida de negro, con gafas de sol y fumando puros entre una partida de póquer y otra. ¡Ahí es nada!.

Todavía hay más… los nombres, ay madre con los nombres, el jefe del grupo se hace llamar Adolf (aunque en realidad me recuerda a un Freddie Mercury más delgado y amanerado, o al vocalista de Glamour to Kill), algunos de sus compinches son Eva, Menguele, Brutus o Smeg.
Son tan perversos que mataron a un Jesús, debido a que… ”¡no hay lugar para Jesús en la playa!, es nuestra solución final, ¡judío!”.

7- ”PLAN 9 FROM OUTER SPACE” (Plan 9 en el espacio exterior), Ed Wood, U.S.A. 1959.

peor peli

Desconcertante, a veces da miedo lo que el hombre puede llegar a hacer. Este intento fallido de ”The Day the Earth Stood Still” (Ultimátum a la Tierra) no hay por donde cogerlo. Fue una de las últimas de esta lista que vi y aún no me lo creo.

Al comienzo, un piloto se cruza con uno de los OVNI (desproporcionados según donde se encuentren) en pleno vuelo y le comenta la experiencia a su esposa, lo que la sorprende como si le contara que se ha encontrado con un amigo. He aquí un esbozo del diálogo:

Esposa- ¿Qué ha pasado?.

Marido- He visto un platillo volador.

Esposa- ¿Un platillo?, ¿quieres decir algo de otro mundo?.

Marido- Sí, eso parece. Era como un enorme cigarrillo. (?).

Los extraterrestres aterrizan en nuestro planeta para advertirnos de la ”solarbonite”, el último elemento que nos queda por controlar como arma y por el cual, cegados por nuestra ambición, será destruido el universo (las explicaciones científicas no tienen desperdicio). Para ello intentan llamar nuestra atención recurriendo al ”Plan 9”, que consiste en lo siguiente:

Extraterrestre- Plan 9… ah sí, Plan 9: ”Intentar la resurrección de los muertos con electroshocks a larga distancia a las glándulas pituitaria y pineal de muertos recientes”. (¿Ein?).

Entre tanto, ”despiertan” a los muertos (bueno, a decir verdad sólo a tres). Bela Lugosi (y su doble,había fallecido para el rodaje) es uno de ellos, y vaga por un cementerio en el que las lápidas se tambalean y caen como nada, ora de día, bajito y con la capa desplegada, ora de noche, alto y cubierto por la capa.

En esta obra todo es posible, se intercalan el día y la noche en la misma secuencia y distintos royos de celuloide, con procedencias distintas entre sí.

Pero eso no es nada, los visitantes no sólo nos dan lecciones de ética y química, si no que además nos han salido beatos y machistas, ¡toma ya!:

Extraterrestre- Ustedes no usan la mente que Dios les dio. (¿Cómo?).

Hombre- ¿Tú hablas de Dios?.

Extraterrestre- ¿Crees imposible que nosotros también seamos creación de Dios?. (Ahora en serio, ¿esto es una broma?).

Intervención de la hembra.

Extraterrestre macho- ¡Es suficiente!. En nuestra tierras las mujeres (pero, ¿no eran de otro planeta?) están para propagar la raza, no para luchar en peleas de hombres (y dale…¡que no sois humanos!).

8- ”BIRDEMIC”, James Nguyen, U.S.A. 2008.

terror

Los pájaros se comportan de forma extraña, se vuelven contra los humanos, lanzan bombas y líquido corrosivo contra las ciudades… ¿qué podemos hacer nosotros?, sólo una cosa; defendernos con perchas.

Este es el único caso del que dudo hayan pretendido algo serio, pero la falta de talento les haya jugado una mala pasada.

Según la versión inglesa del periódico The Guardian, James Nguyen, el director, condujo hasta el Festival de Sundance promocionando su obra con sangre falsa, ropajes y sonidos de pájaros a través de su megáfono.

La web, www.birdemic.com/, tan cutre como la película, nos anuncia la corta aparición de Tippi Hedren, protagonista de ”The Birds”, de Alfred Hitchcock.

No hace falta comentar demasiado, los tráiler y secuencias (abajo) hablan por sí solos:
Superposiciones con ”gifs” de pájaros que parecen sacados de los ’90 y a veces tienen unos movimientos semejantes a un ”Break dance”, actuaciones (que nadie se pierda la secuencias del autobús, donde la chica de la derecha muere mientras masca chicle y se retira el pelo de la cara, y la de la tienda, colosal ese ”demons!”), y explicaciones inverosímiles (causa= el agujero de la la capa de ozono que les ha hecho evolucionar así, mmm ya, claro).

9- ”MENTIRAS Y GORDAS”, Alfonso Albacete y David Menkes,España, 2009.

Vergüenza ajena.

Si alguien la ve y se entera de qué va que me la explique, por favor, porque o soy yo o la película no tiene argumento.

Unas interpretaciones de pena (en especial la de Hugo Silva, patético), dirección artística sin gusto, un montaje que parece hecho con las gafas perdidas, guiones superfluos y situaciones sin sentido.
¿A qué viene tanta aflicción de Ana de Armas por Mario Casas, en vez de llamar a una ambulancia antes de que agonice si no se conocían?, ¿de qué sirve indicar dónde está el baño para luego añadir ”pero no entres”?.
Por cierto, tampoco se conocían entre sí los de la escena final de la discoteca.

En cuanto a Ángeles González-Sinde, después de unas películas bastante decentes, no comprendo el irónico patinazo de la Ministra de Cultura en la participación de este infumable guión. Bueno, éso y no aceptar las críticas.

Al final todo se reduce a lo siguiente:

10- ”CREATURE OF DARKNESS”, Mark Stouffer, U.S.A. 2009.

Si pulsamos con el cursor sobre el cartel de arriba podremos leer ”Cazando especímenes… especímenes humanos”. Sí, esta es otra película que clama ser un bodrio sólo con la sinopsis y aunque no lo imaginemos por los hilarantes efectos especiales (sin comentarios, dejo la sorpresa para el que se atreva a visionarla), este filme es de 2009:
Extraterrestres (bueno, lo cierto es que en singular sería más apropiado, porque el presupuesto les alcanzó para una sola máscara) que coleccionan muestras de las formas de la raza humana para un museo de otra galaxia.

Este grupo no podría estar más en el blanco de la diana: Gina (mitad caucásica, mitad asiática), Andrew (Devon Sawa, ”Casper” o ”Idle Hands” -”El diablo Metió la Mano”-, pero, ¿qué le ha pasado desde los ’90?), Eric, Lance (Matthew Lawrence, ”Boy Meets World” -”Yo y el Mundo”-, ”Mrs. Doubtfire” ) y Rachel (blancos), Heather y Emilio (hispanos), Karla y Mason (supuestos negros, y digo supuestos porque si esos dos lo son y no están mezclados como Gina, mi padre deberá ser Etíope, porque no es mucho menos moreno, y ya puestos, mi madre sueca, ¿por qué no?, total, es más clara que la chica blanca que secuestró el bichejo intergaláctico) .

Efectos especiales a parte, los diálogos tampoco tienen desperdicio:

Mason- Le estoy dando vueltas a la cabeza y… ¿cómo es que los extraterrestres después de tanto tiempo saben lo que iba a pasar aquí y ahora?.

Andrew- Relatividad, saltan en el tiempo justo como Einstein dijo que era posible con la velocidad de la luz.

PD: Lo mejor es el gesto de bobo ebrio que nos brinda Devon Sawa durante esas ”profundas” palabras.

Aunque a la mayoría le pueda resultar la pregunta un tanto polémica, a mí no me lo parece en absoluto. ¿Por qué?, muy simple, hablamos de un tema tan subjetivo como es el arte, de modo que lo afirmo rotundamente; puede serlo, para unos. Lo mismo que tal sugerencia es en sí todo un despropósito para otros, o estaríamos comparando el arte con el puro entretenimiento, con un arte menor…etc.

A continuación escribo sobre mi percepción personal acerca de los cómics de ilustración actuales y de su lugar en el arte.

Por mi parte, suene o no descabellado, defiendo que estas creaciones merecen ser consideradas al mismo nivel que el resto de obras pictóricas, y más teniendo en cuenta ciertas artes desde los años ’40-’50 del siglo xx.

Recuerdo hace años ya, cuando se emitía ”El Informal” del canal de tv Telecinco, hicieron una prueba (si no recuerdo mal, en la feria ARCO).
En medio del resto de exposiciones esparcieron un bocadillo de tortilla de patatas en el suelo. Conforme iban pasando los visitantes, éstos se detenían a admirar lo que en realidad era un fraude de un programa de humor.

Otro ejemplo de engaño, en este caso a críticos profesionales, fue el de la pintura ”Coucher de soleil sur l’Adriatique” (Puesta de sol en el Adriático) dentro de la exposición Le Salon des Indépendants (El Salón de los Independientes) en 1910, París. Lo recoge, entre otros, el anecdotario de ”arteymercado.com.”

Un pintor desconocido, Joachim-Raphaël Boronali, era el autor hasta que Roland Dorgelés, escritor en el periódico ”Le Matin”, desveló la verdadera identidad de Boronali.
El auténtico responsable se llamaba Lolo y era en realidad un burro al que anudaban pinceles a la cola y premiaban con zanahorias para mover la cola a mayor o menor ritmo:

Por mi experiencia personal en el pseudoarte recuerdo que salí del Museo Vasco de Arte Moderno Artium de Vitoria, decidiendo no volver a pagar una entrada para ver arte actual, poco después acabé en el Guggenheim de Bilbao, pero eso es otra historia.

Los que no eran cuadros surrealistas (corriente en la cual su máximo apogeo fue entre los ’20 y cerca de los ’40 del anterior siglo) intentando hacerlos pasar por algo innovador, recordaban demasiado a otros del último medio siglo.
Al final, lo único que me gustó fue la exposición de fotografía itinerante de Andrés Serrano (aun no siendo de mi agrado habitualmente ese estilo) y la del festival de jazz que allí se celebra. Y es que siempre hay excepciones para todo.

metallica

¿A alguien le suena esta imagen? Si es así, puede ser por el grupo de ”thrash-metal” (al menos en unos maravillosos tiempos pasados) Metallica, ya que es la imagen de la portada su disco ”Load.”

Libros y cómics de ilustraciones.

Llegados a este punto, nos adentramos en la otra parte de la pregunta que encabeza el artículo.

Como es natural, mencionaré a algunos de los ilustradores y escritores más populares de los últimos años gracias en parte a la colección ”Eclipse” de la editorial Norma, Luis Royo y Victoria Francés.

Estos autores y esta editorial han relanzado temáticas y formas no novedosas, pero sí muy interesantes como conjunto según la ocasión, atrayentes hasta el punto de abstraernos a un mundo fantástico como si de un medio audiovisual se tratase (no es extraño, muchos han trabajado para videojuegos también), y técnicamente bien hechos.

Luis Royo quizás sea el más veterano de los trabajadores ”estrella” de este recientemente renovado mundo. Le conocemos desde los años ’90 utilizando normalmente óleo, acuarela, acrílico (con aerógrafo frecuentemente)… sobre tela, lienzo o papel.
Objetivamente pienso que es quien tiene más profesionalidad en su técnica pictórica frente a los demás ilustradores de los que voy a seguir escribiendo. Luis Royo tiene un dibujo con una gran sensación de ligereza a la vez que precisión.
Por otro lado, sus relatos están escritos correctamente aunque sin alcanzar la altura en calidad de sus recreaciones visuales.

Sea como fuere, no son sus pinturas o historias los causantes de que no me fije demasiado en él, si no varios de sus elementos frecuentes: épocas lejanas y/o mitológicas mezcladas con futurismo, lo cual no deja de ser una inclinación personal que no comparto y por eso sólo poseo su libro ”Dead Moon”, del que tuve la suerte de ver las ilustraciones originales en una exposición.

El vídeo (que puede dar una impresión errónea de su trabajo por la música y efectos de sonido), de 2008, nos enseña dibujos de Victoria Francés desde su ópera prima, ”Favole”, hasta ”Misty Circus”, de mayor a menor número de dibujos.

Empezó con ”Favole” en 2004 dentro de la colección ”Eclipse”, una tríada de cómics ilustrados de género romántico gótico fiel al más puro estilo decimonónico en su texto y de dibujos más modernos sin que por ello pierda la esencia de su género. Muy buen escrito; el cual supera al dibujo, pero no por demasiado, bastante más que aceptable, con un aire cercano causado por ese efecto tradicional de lápices, acuarelas y marcas de café, al mismo tiempo que mezcla bocetos con dibujos más o menos acabados.

Mientras en el posterior ”Dark Santuary” (libro-CD que contiene música y letra del grupo francés homónimo, e ilustraciones de Victoria Francés) sigue superficialmente y de forma mucho más pesimista la estela de ”Favole”, con unos dibujos mucho más pobres, ”El Corazón de Arlene” dio un giro radical en función de segundo trabajo.
Tiene un contenido mucho más profundo, realista dentro de su fantasía, cándido y de gran belleza. En definitiva, es un moderno homenaje a ”El Principito” con su propia alusión incluso, una que sólo se aprecia en el propio libro.

Con la siguiente publicación, ”Misty Circus”, la calidad decae bastante, demasiado facilona y predecible, pero remonta su segunda parte a algo correcto y olvidadizo.
Conclusión; Prescindinble.

De las formas tradicionales pasamos a las digitales, no más fáciles que las primeras, por ello, el vídeo de arriba muestra el proceso acelerado de pintura digital creando una sola ala para el personaje principal previamente finalizado.

El dibujo pertenece a la francesa Mélanie Delon, responsable de ”Elixir”, una serie de cómics ilustrados con historias ligeras e imprecisas, independientes unas de otras para cada representación. Bajo mi punto de vista, mejor el primero de los dos volúmenes; lo encuentro evocador, sencillo y sin demasiadas pretensiones, sin embargo, el segundo pasa de evocador a (ni siquiera triste) siniestro y un tanto presuntuoso.

Los que sí se mantienen con una calidad similar son los tres libros de la serie ”Forgottens” de Cris Ortega, tanto en los dibujos como en las distintas historias, las cuales están mágicamente entrelazadas en cada uno de los tomos, hilados por una narradora que parece ser el álter ego de la propia autora.
Eso sí, tanto el formato como las representaciones de los cómics a veces suenan demasiado a otros. Un ejemplo:

Ésta visión fusionada es el resultado de unir la mitad de una ilustración de Cris Ortega a la izquirda, de 2007, con la otra mitad de un dibujo de Victoria Francés de 2005.

Otra carencia que detecto en las obras de Cris Ortega es la expresividad. Les pase lo que les pase a los personajes siempre están posando como para un catálogo, con gesto hierático y mirada errante.
Según la propia Cris Ortega en un coloquio al que asistí en un centro Fnac, la posición poco natural en el entorno que rodea a sus personajes más la forma en la que están ellos mismos, es deliberada para sugerir y dar a entender más que para mostrar a los lectores.

Tiene sentido si leemos los cuentos porque el final siempre es abierto para engarzarlos con otros, pero no me convence la explicación, me sigue pareciendo una falta de técnica.

De todas formas no se puede negar el realismo y detalle de sus pinturas digitales. El problema está a la hora de querer apreciarlo meticulosamente. No se puede. Esta manera de trabajar exigiría un formato muy grande para ello y el que normalmente está a la venta se queda corto.

Cris Ortega también comentó en la charla que a modo de experimento, se lanzó ”Vampiros. El mundo de las sombras ilustrado”, de Norma Editoral, en el que como el propio título indica lo que realmente importan son las ilustraciones.
Se trata de un libro que recoge los dibujos, pinturas digitales, fotos manipuladas…etc de las publicaciones más populares de la colección ”Eclipse” de la editorial. Es de un tamaño considerable para una estantería ordinaria, pero del mínimo necesario para disfrutar de los detalles de estas obras.

He aquí un ejemplo de la imagen con más resolución que puedo ofrecer para comprobar los detalles que se pierden en papel, por desgracia, es uno de los dibujos más someros de la autora, aunque suficiente como para hacerse una idea (pinchar en la imagen para aislarla y agrandarla):

Por último, quisiera mencionar brevemente a Rebeca Saray y a Arantza Sestayo.

De la primera tengo muy poco que decir, porque sencillamente no encuentro ningún talento en su trabajo de foto manipulada.
Por ejemplo, leo toda una declaración de intenciones respecto a los distintos sentimientos humanos antes de abrir su libro y… todo lo que viene a mis ojos son imágenes toscas, sin personalidad y antiestéticas que no me incitan a nada (amén de que según Rebeca Saray, el hombre no siente nada bueno, a pesar de haber prometido otra cosa para el libro).

En cuanto a la segunda, Arantza Sestayo, los dibujos (tradicionales, por cierto) son agradables, pero vacíos de contenido y faltos de perspectiva en la mayoría de los casos.
Y si los dibujos me parecen estar vacíos de contenido, el texto es ya un agujero negro.
No hay argumento alguno y está contínuamente atascado, lo que da a entender que posiblemente sólo esté para justificar los dibujos.

Conclusión; mejor voy a ojear unos libros de ”Taschen” para deleitarme con uno de mis pintores favoritos (recuerdo que poco puede haber más subjetivo que el arte), J. M William Turner.

El 30 de marzo se cumple el primer aniversario de la partida de lo que puede ser la causa de inimaginables descubrimientos y confirmaciones de teorías que darían más de un vuelco a la física; tras dos intentos que no resultaron, el LHC del CERN consiguió las primeras colisiones de haces de protones a 7 ”teraelectrovoltios” (TeV), emulando los tempranos instantes posteriores al Big Bang.

Repasemos brevemente la corta historia de este hito y del mayor acelerador de partículas del mundo.

En septiembre de 2008 su inundación y congelación por gases hizo posponer su puesta en marcha un año y costó 40 millones en reparaciones.
Nos referimos a un anillo de 27 Km enterrado entre 50 y 175 m de profundidad, situado en la frontera entre Suiza y Francia y compuesto por cuatro detectores: Atlas, CMS, Alice y LHCb.

LHC

Esta máquina rivaliza con el Tevatron de Fermi National Accelerator Laboratory (Fermilab), Illinois. Hasta ahora, éste ha trabajado a más intensidad, pero el LHC le supera en número de colisiones.

Los choques se produjeron dentro del gigante túnel circular, enfriándolo hasta la temperatura más baja que se conoce del universo y lanzando las partículas a la velocidad de una nanofracción inferior a la de la luz.

Una microexplosión alrededor de la una de la tarde tuvo lugar. Los haces de mil millones de protones, acelerados a 7 Tev por primera vez, se desplazaron a través del conducto. Las partículas propagadas se trasladaron a 3,5 TeV cada una hasta conseguir colisionar creando un pequeño Big Bang.
A primera hora de la mañana, enviaron una inyección de partículas y alcanzaron los 3,5 TeV, pero se produjeron algunos problemas que retrasaron el experimento. El acelerador tuvo que comenzar de nuevo. Al fin, todo se arregló y las partículas se lanzaron de nuevo por el acelerador hasta provocar las primeras colisiones. Atlas y CMS, fueron los primeros en ser testigos de las colisiones.
Los científicos del CERN publicaron en Twitter: ”Experiment have seen collisions!!!!!!!!!!!!”, ”First time in the history!!!!!!!!!!!! World record!!!!!!!!”, ”Nature does it all the time with cosmic rays (and with higher energy) but this is the first time this is done in Laboratory!!” (”¡El experimento ha visto colisiones!, ”¡Por primera vez en la historia!, ¡record mundial!” y ”La naturaleza lo hace con los rayos cósmicos, pero ésta es la primera vez que se consigue en un laboratorio”).

Éxito que no ofrecerá resultado alguno hasta dentro de varios años durante los cuales se recopilarán los datos, cuyos resultados serán procesados por miles de investigadores en laboratorios de todo el mundo en los distintos centros de la red de cálculo del acelerador.
Entonces será cuando se esperan revelar misterios de la antimateria, materia oscura, así como dimensiones nuevas o hallar el tan ansiado bosón de Higgs (la única partícula hipotética del modelo estándar para explicar porqué tienen la masa que tienen).

De todos modos, los físicos ya han llegado a conclusiones novedosas tales como que el universo se comportaba como un líquido o la posibilidad de viajar en el tiempo.

En el primer caso, entre los que se encuentran investigadores de la Universidad de Birmingham (Reino Unido), aceleraron y colisionaron entre sí núcleos de plomo a las temperaturas más altas posibles. De esta forma, produjeron unas partículas subatómicas muy calientes y densas, recreando los primeros momentos después del Big Bang a de 10 billones de grados, confirmando con este ejercicio experimental que el universo actuaba como líquido en sus primeros instantes de existencia.

En el segundo, Tom Weiler y Chui Man Ho, físicos de la Universidad de Vanderbilt (Nashville, Tennessee), proponen que algunas partículas podrían viajar hacia adelante o hacia atrás en el tiempo.
Se basan en la Teoría del todo, no viola ninguna ley física, aunque admiten que se trata de una posibilidad muy remota.
Si el colisionador tiene éxito en el descubrimiento del bosón de Higgs, según algunos científicos se creará una segunda partícula, Singlet de Higgs. Weiler y Ho argumentan que tendrá la capacidad de saltar a una quinta dimensión, en la que podrá aparecer en el futuro o en el pasado. Una forma de verificarlo sería analizar los detectores por si se encontraran señales de experimentos futuros.

Algunos físicos teóricos defienden nuestro universo como una membrana de cuatro dimensiones insertas en un espacio-tiempo multi-dimensional (once, por ejemplo).

En nuestro universo todo estaría unido a la membrana y por lo tanto no se podría viajar a otras dimensiones. Sin embargo, hay excepciones, como la gravedad, ya que es más débil que otras fuerzas fundamentales, y penetra en otras dimensiones o, en este caso, como la Singlet de Higgs, que responde a la gravedad, pero no a cualquiera de las fuerzas básicas de la física.

Fuentes: abc (ciencia), arxiv.org (Cornell University Library), news.vanderbilt.edu (Vanderbilt University), astronomía.com, RAE y cuenta Twitter del CERN.

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